The It Crowd (Los informáticos)

Buenos días, soy el jefe Dreyfus, hoy es viernes y esta semana vuelvo a echar la vista hacia la televisión con las dos primeras temporadas de una sitcom inglesa llamada The It Crowd y que aquí nos llegó con el nombre de "Los informáticos". Estén atentos a sus ordenadores porque... ¡Empezamos!

La cosa empieza con la llegada de Jen a un edificio de oficinas en el centro de Londres, en busca de trabajo. Como en su currículum presume de altos conocimientos en informática (de los que, evidentemente, carece), el jefe de la empresa, Denholm Reynholm, un auténtico zumbado que se cree a si mismo un directivo de lo más enrollado que confía plenamente en el equipo sobre todas las cosas, la colocará al mando del departamento de informática, trasladándola, directamente, hacia los sucios sótanos del lujoso edificio, donde cohabitan dos nerds de mucho cuidado, Roy (un vago al que se la suda su trabajo más preocupado por leer comics que por currar) y Moss (tipo raro donde los haya, a medio camino entre un cerebrito y el tonto del pueblo), cuyas técnicas básicas para arreglar los ordenadores consiste en dos frases del calibre de: "ha probado a apagar y volver a encender" o "ha mirado que esté enchufado". Y lo que viene siendo la trama, pues poquito más, a estos personajes súmenles un gótico medio vampirizado y el hijo del jefe, un salido al que le gusta acosar a las trabajadoras y ya tienen montado el Belén.

La serie es una producción del Channel 4 inglés, que se rodó con público en directo y cuyos capítulos se colgaban en su página en internet antes de emitirlos por televisión, con apenas dos temporadas, de seis capítulos cada una y de veintipocos minutos de duración cada uno. Conclusión, la serie te la ves en un pis pas, casi sin querer, empiezas y sin darte cuenta ya te la has ventilado entera. Además, durante un tiempo se estuvo rumoreando que quizás se hiciera un remake americano, como tantas otras series inglesas (The Office, Live on Mars...), pero de momento la cosa no ha acabado de cuajar. Por cierto, que el pasado mes de septiembre, se empezó a rodar la que será su tercera temporada. ¡Alabado sea el señor!

Últimamente me estoy enrollando cosa mala en mis actualizaciones, así que hoy, para variar, voy a ir directamente al grano: ¡Imprescindible! Simplemente, es que no se la pueden perder. Divertidísima comedia con la que uno puede llegar a partirse de risa a gusto, con un humor muy inglés, muy absurdo (esta gente a mamado de los Monthy Python a saco), con unos diálogos todavía más absurdos si cabe y donde las relaciones entre sus tres protagonistas (tan distintos entre si, especialmente entre los dos currantes y su jefa) suelen acabar en disparatadas situaciones, que sus responsables siempre consiguen llevar hasta el límite con una pasmosa facilidad y maestría, acabando por resolverlas de la forma más disparatada posible. Además, es muy de admirar que la segunda temporada no baja el listón en absoluto, consiguiendo estar al mismo nivel que la primera (aunque con seis capítulos por temporada tampoco sería muy de extrañar, claro). ¿Un defecto? Que no haya veinte capítulos por temporada como mínimo.

Resumiendo: Divertidísima e imprescindible sitcom inglesa, que se convertirá en serie de culto si es que no lo es ya.

¡Ah! Y lo más importante, recuerden que...

La conversación (1974)

Elprimerhombre ha visto La conversación, de Francis Ford Coppola, una película que ganó la Palma de Oro en Cannes, pero que tuvo la mala suerte de ser realizada entre las dos partes de una de las sagas más conocidas de la historia del cine, El Padrino, y no sólo eso, compartió nominación a la Mejor Película en los Oscars de 1975 con la segunda parte de esta saga, la cual ganó la famosa estatuilla.

La historia que nos concierne tiene puntos muy interesantes. La trama está contada de manera sutil, con poca información para el espectador y también para el protagonista, Harry Caul (Gene Hackman), un técnico experto en seguridad que construye sus propios mecanismos, considerado el mejor por sus compañeros de oficio, al que le encargan espiar a una pareja sin comentarle nada más del asunto y sin tener ninguna información del director de la empresa que lo ha contratado. A partir de este punto, Harry intentará contactar con él y se irá involucrando cada vez más en una peligrosa aventura que le hará pensar a todas horas en la pareja que espió, oyendo siempre aquella maldita conversación.

Gene Hackman está soberbio en el papel de Harry Caul, con una actuación verdaderamente sorprendente, creando muy bien este personaje solitario, demasiado metido en su trabajo, provocándole verdaderos quebraderos de cabeza y llegando por momentos a volverle loco. No le gusta para nada que la gente se entrometa en sus asuntos ni en su estilo de vida. Precisamente, lo que mejor simplifica su soledad es una secuencia en la que va a ver a una mujer y con la que alguna vez mantiene relaciones sexuales. Ella le dice que está harta de esperarle y que tiene claro que ya no le va a esperar más, pero él, aunque por un momento duda en quedarse un rato más, se marcha dando por hecho de que no quiere tener una relación larga y llevadera con ninguna mujer, pareciéndole imposible el hecho de esforzarse a ello. Esto hace que en la escena siguiente le veamos en un autobús pensativo, mezclándose en su cabeza imágenes de la pareja a la que había espiado. Durante este trayecto, escuchamos el dulce y sugerente tema Amy's Theme del compositor David Shire, una melodía que encarna a la perfección los sentimientos de Harry. Con un piano brillante, Shire logra que el espectador se concentre en ese personaje y en sus hipotéticos pensamientos.

La dirección de Coppola es brillante, utilizando la cámara de forma espléndida, moviéndola con los personajes, acompañándolos a su paso, con planos generales y medios, alternándolos muy bien con primeros planos. Sus zooms lentos son envidiables y presagian siempre algún suceso, como la escena inicial, en la que hay un zoom en picado, lento y perfectamente ejecutado, siendo un prodigio en cuanto a la realización. En esta escena, vemos en una plaza a un mimo que va imitando a las personas, cuyas sombras se alargan bastante a causa de la situación del sol, creando así un curioso efecto que hace que sea un comienzo estimulador e interesante, logrado sobre todo por el director de fotografía Bill Butler, que consigue durante todo el film muy buenos planos con una luz instigadora que provoca un misterioso suspense en el espectador.

Lo más interesante del film es el buen sabor de boca que deja, dando ganas a revisar alguna parte de la película y a saborear el buen hacer de los grandes, como el señor Coppola. Invito a cualquiera a que se deje llevar por sus imágenes, su música y por Hackman; no se verán defraudados, se lo digo yo. La verdad es que se nota que en aquella época este director estaba en muy buena forma, no como hace ya muchos años, en que parece haberse olvidado de cómo rodaba entonces, poniéndole más ahinco en conseguir buenos vinos.

Un dato curioso que he encontrado es que esta película será trasladada a la televisión de la mano de la cadena AMC, la misma que ha obtenido éxito con la serie Mad Men, queriendo de esta manera buscar nuevas ideas para futuras series con algo de interés.

En definitiva, una película de alto interés cinematográfico con un Gene Hackman formidable, una fotografía muy interesante y una dirección prodigiosa de un portentoso Coppola.

Un saludo!



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The Fall (2006)

El realizador Tarsem Singh se introdujo en el mundillo cinematográfico como tantos otros, rodando spots publicitarios y haciendo video clips. De esta manera consiguió algún que otro trabajo que le otorgó cierta notoriedad, como el famoso video clip Losing My Religion de la banda estadounidense Rem. Su buen hacer en el terreno televisivo le permitió probar suerte en la gran pantalla y en el año 2000 llegó a nuestros cines La Celda, una lamentable ensalada de thriller y ciencia ficción que no cuajó (para rodar esa cosa se podría haber quedado haciendo anuncios de compresas, la verdad). Pasaron seis años antes que Tarsem volviera a ponerse tras la cámara con The Fall, su segundo largometraje, una epopeya fantástica que obtuvo un mejor recibimiento de crítica y público (algo bastante fácil), y que se llevó el premio a la mejor película en la pasada edición del festival de Sitges, donde la prensa especializada la confirmó como Las aventuras del Barón Munchausen de ésta década. Dejando de banda toda esta pompa y platillo, si uno ya se picó los dedos con La Celda puede que empiece a ver The Fall sin demasiadas expectativas y con cierta reticencia, cosa normal, pero esa sensación enseguida se disipará porque la cinta no es la cosa pedante y superficial que puede parecer en un principio.

La acción se sitúa en el Hollywood de los años 20, donde un especialista de secuencias de acción es ingresado en el hospital tras una caída que lo deja sin poder andar. Allí encuentra el apoyo de Alexandria, una niña con un brazo roto y a la que hace una promesa: contarle la historia más maravillosa del mundo. La fantástica aventura estará protagonizada por una trouppe de pintorescos forajidos compuesta por un bandido enmascarado, un joven Charles Darwin, un ex esclavo, un indio, un experto en explosivos y un sabio místico salido del interior de un árbol. Una banda con un solo objetivo en común: su cruzada contra el maléfico gobernador Odious. Muy pronto el relato y todos sus personajes cobrarán vida dentro de la imaginación de la pequeña Alexandria, traspasando así las fronteras entre realidad y ficción.

Sugerente premisa sacada de una producción búlgara de los años 80 titulada Yo ho ho, una cinta que goza de la misma popularidad que aquel compañero mío de primaria que traía a clase estrellas ninjas e iba por ahí contando que estaba construyendo un helicóptero en el patio de su casa (verídico, oigan). Vamos, que si alguien la ha visto voy yo y le entrego mi primogénito, palabra. La actriz protagonista es una mocosa rumana con un porte y unas maneras que no se ajustan a los de la típica niña pizpireta de este tipo de papeles, la pequeña Catinca Untaru resulta de lo más fresca y natural, nada que ver con el inconfundible sirope pegajoso que Hollywood acostumbra a utilizar para adulterar el cine. La credibilidad de su interpretación se debe en parte a las repetidas tretas que el director utilizó durante el rodaje, logrando que la niña pensara, en más de una ocasión, que lo que estaba sucediendo en el filme era real (incluso llegó a creer que el actor no podía caminar de verdad). En el doble de papel de cuenta cuentos lisiado y bandido enmascarado tenemos a Lee Pace, actor famoso por estos lares al ser el protagonista de Criando Malvas, carismática serie creada por Barry Sonnenfeld (Men in Black, La familia Addams) y Bryan Fuller (Héroes, Tan muertos como yo) que con un espíritu naif muy cercano a Amélie, nos cuenta una historia de tintes tenebrosos y algún punto en común con la mucho más austera Carnivàle, ambas totalmente recomendables. Haciendo de chica guapa tenemos a la guapa Justine Waddell, actriz que ha hecho mucha tele y algún que otro descalabro para el cine (la horripilante Drácula 2001, nada menos).

David Fincher (El club de la lucha, Zodiac) y Spike Jonze (Cómo ser John Malkovich, El Ladrón de Orquídeas) presentan una cinta metafórica ya desde su mismo título (The Fall), constituida a partir de una idea tan habitual en el cine fantástico como es la dualidad entre realidad y ficción, un tema ya tratado en La Historia Interminable o Big Fish, por nombrar un par de títulos representativos del género. Pero muchos son los referentes que se le podrían encontrar al filme, sin duda, y eso que en ningún momento se tiene la sensación de estar viendo ningún refrito de nada, ya que la cinta, como las lentejas de la abuela, tiene un sabor propio.

Rodada de forma espectacular y con un sin fin de colores y texturas, la película nos transporta a nada menos que 28 países diferentes (Sudáfrica, la India, China, Turquía, Egipto…), logrando una multitud de parajes de ensueño que increíblemente le deben poco o nada al photoshop y similares (toda una lección de cómo hacer cine, oigan). Un tipo de lo más curioso debe ser este Tarsem, que se dedicó a colgar en una pared unas 40 instantáneas que había tomado durante varios viajes, luego reunió al equipo de rodaje, les preguntó donde se imaginaban que debía suceder esta o aquella escena, y cuando una localización era elegida cogían un avión y se plantaban allí a rodar, de lo más sorprendente. Mucha magia hay puesta en una cinta donde cada plano está premeditadamente bien coreografiado, lleno de luz y cromatismo brillantes, y con la séptima sinfonía de Beethoven sonando a todo trapo. Tarsem aquí se parece ciertamente a un Terry Gilliam de sangre hindú, más pulcro que éste y con una inventiva algo diferente, deudora directa de sus raíces asiáticas y prima lejana de otras producciones orientales igualmente vistosas, como La casa de las dagas voladoras, donde se prima el virtuosismo formal hasta el paroxismo, hecho que aquí queda más equilibrado.

The Fall es un puro espectáculo visual, sin duda, aunque la belleza de lo que estamos viendo no eclipsa lo que nos están contando. Una épica historia de amor y venganza repleta de bucaneros, piratas, damas en apuros y villanos, mezclada con el drama vivido en el hospital por el narrador y su pequeña oyente. Un mero divertimento, en definitiva, muy bien ejecutado, con sus sanas dosis de emoción y aventura, y un envoltorio de lo más llamativo (con guiño a Salvador Dalí incluido). La cinta empieza en un tostado blanco y negro, y acaba con un bello homenaje al cine mudo, un emotivo final que deja en el espectador un inigualable sabor de boca. A ver, ¿qué otra peli empieza y acaba en blanco y negro? ¡Ah, sí! ¡El Mago de Oz! ¿Coincidencia?

La frase: “Aunque he dedicado mi vida a Dios y la bondad, amo secretamente lanzarle naranjas a nuestro sacerdote.”

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Vicky Cristina Barcelona (2008)

Buenos días, soy el jefe Dreyfus, hoy es viernes y vuelvo a los estrenos de cine con la película de la que todo el mundo habla últimamente, con una bonita colección de críticas enfrentadas, a favor y en contra: Vicky Cristina Barcelona... ¡Empezamos!

La peli empieza con la llegada a Barcelona de dos jóvenes amigas americanas de buen ver, una rubia y una morena (como en las pelis de antaño) dispuestas a pasar un verano (aunque en la película parece como si se quedaran varios años) en la capital catalana, la primera para estudiar a Gaudí y la cultura del lugar y la segunda, básicamente, para ver mundo. Las dos protas tienen personalidades marcadamente opuestas entre sí, siendo una más prudente y conservadora, mientras que la otra es más abierta y alocada. No obstante, a pesar de sus diferencias, las dos guardan una terrible similitud, ambas están muertas de miedo (solo que, como suele pasar con estas cosas, ellas todavía no se han dado cuenta), la morena por perder lo que tiene y rubia por no encontrar lo que quiere. En estas estamos cuando, al poco de instalarse en casa de unos amigos de la familia de una de ellas, conocen a un pintor español, algo bohemio (y soñador) y con los huevos de oro, que les ofrece irse con él a pasar un fin de semana a Oviedo (recordemos que Woody Allen recogió no hace demasiado el "Príncipe de Asturias" y supongo yo que algo debió influir). Este será el punto de partida de un juego de seducción y enredos, que dará para mucho, a lo que se sumará una ex pareja, tirando a problemática, del pintor.

Película escrita y dirigida por un tal Woody Allen, un señor que lleva tanto tiempo siendo uno de los más grandes en esto de hacer películas, que ponernos ahora a repasar sus logros en la industria sería tan estúpido como innecesario (páginas habrá que se dediquen a ello mucho mejor y más extensamente de lo que podríamos hacerlo nosotros aquí). Lo que está claro, es que el hombre sigue empeñado en regalarnos una película por año, a pesar de que, lamentablemente, sus últimos trabajos no estén a la altura de lo que se espera de él (más por ser quien es que otra cosa), aunque en ocasiones suene la flauta (y lo haga de maravilla) como ya ocurriera con Match Point (para un servidor su mejor trabajo, de largo, de los últimos diez años).

Pasemos a los actores de la peli. Las dos amigas americanas, están interpretadas por Rebecca Hall (la morena, de corta filmografía donde apenas destaca El truco final: El prestigio, pero de prometedora carrera) y Scarlett Johansson (ese cañón de mujer que lleva haciendo pelis desde que era una cría y que se destapó hace unos años con Lost in Translation, encadenando desde entonces títulos a mansalva, entre los que destacan dos películas más, bajo la batuta del maestro Woody Allen: la ya citada Match Point y Scoop). A ellas dos se les suman Javier Bardem como el pintor encargado de seducirlas (otro que tiene una carrera extensa como para aburrir, ganador de un Oscar y que ya a tanteado, un poco de refilón, el cine de Hollywood) y Penélope Cruz, como la novia despechada (y otra más que no ha hecho pelis ni nada, con una nominación a los Oscar en su haber, que se fue a hacer las Américas, aunque los resultados no fueron, precisamente, como para tirar cohetes, ni mucho menos, siendo más popular por su colección de rollos/ligues/novietes que por sus trabajos).

¡Ella tiene poder, ella tiene poder, Scarlett Johansson es poderosa, Scarlett Johansson tiene poder! Y eso a pesar de que no es que esté especialmente inspirada en esta película, pasándose toda la primera mitad de la cinta mamando vino como una loca, tocándose el pelo y balbuceando. Aunque tampoco sería enteramente culpa suya, porque lo cierto es que su papel es el menos agradecido de la peli (vamos, directamente que es una patada), no así como el que le regala Woody a Penélope Cruz, sin duda alguna de lo mejor de la película (que si Penélope es de lo mejor de la peli ya significa que algo no acaba de ir del todo bien). Y ya que estamos en este plan de rajar, decir que la estética general de la peli no me acabó de convencer demasiado (me parecía que estaba viendo un anuncio de "Salteado de Findus Dieta Mediterranea, que solo les faltaba sacarse la parrilla y hacerse allí unas verduritas), intentando pintarlo todo tan mediterraneo que quedaba postizo, y que la banda sonora es francamente lamentable (no me refiero al tema central que ni me va ni me viene), pareciendo como si Woody Allen se hubiera ido a un todo a cien, se hubiera agenciado un cd barato de esos de flamenco Chill Out y lo hubiera puesto durante todo el metraje a todo trapo, sin demasiado rigor (por no decir que ninguno). Que no digo yo que en Estados Unidos la cosa funcione, pero la verdad es que viéndolo desde aquí la cosa es bastante absurda (incluyendo la elección de que suene de acompañamiento una típica canción navideña catalana en el caluroso verano de Oviedo).

Pero a pesar de todo, tampoco les voy a dejar la película por los suelos (mucho me temo que hoy no voy a contentar ni a los que la defienden ni a los que la atacan) porque, a la hora de la verdad, lo cierto es que la película me tuvo bastante entretenido durante buena parte de la peli, especialmente con un más que prometedor arranque, una interesante primera media hora, la entrada/ciclón de Penélope Cruz justo cuando la película empezaba a decaer alarmantemente y un más que correcto final. Súmenle a esto una Barcelona fantástica que funciona como un perfecto decorado para la trama, y que probablemente reciba un gran número de turistas americanos el verano que viene con ganas de vivir una apasionante historia de amor (aunque alguien debería aclararles que si fotografían a prostitutas por la calle, como hace el personaje de Scarlett Johansson, mucho me temo que en lugar de sonreirles y saludarles con la mano van a recibir una puñalada de su chulo). A pesar de todo, uno se queda con la sensación de que la película podría haber dado bastante más de si, quedándose a medio gas en muchos aspectos y soseando un poco en su global. Para entendernos, para que la película funcionara como debiera, tendría que haber sido como el personaje de Javier Bardem, pero en general nos recuerda más al personaje del prometido de Vicky.

Resumiendo: Buena película que, no obstante, se queda a medio gas, sobretodo pensando en las posibilidades de la trama y quién está en el guión y detrás de la cámara.



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El amante del amor (1977)

Elprimerhombre ha vuelto a sonreír y a disfrutar con El amante del amor (mucho mejor El hombre que amaba a las mujeres, el título original), de François Truffaut, una delicia de película que es de las menos conocidas de este autor.

Empezando con el entierro del protagonista, Bertrand (Charles Denner), al que curiosamente sólo van mujeres, la historia es la de un hombre que no puede evitar sentirse atraído por ellas, siendo este el mayor de sus vicios. Mirando detenidamente sus piernas, siempre observa con cierto disimulo la cadencia de sus pasos e intenta por todos los medios conseguir relacionarse con las que le interesa, logrando casi siempre su objetivo. Relatada la historia con el personaje de la editora de la autobiografía que escribe Bertrand, con el mismo título que el original, la película tiene momentos de verdadera fluidez narrativa, como toda la secuencia en la que se pone a mecanografiar, explayándose en los sentimientos que le producen las mujeres en general, produciéndose una secuencia difícil de olvidar (véase vídeo).

Esta película es un homenaje a las mujeres, al cine, a la literatura, a los sentimientos. Es un obsequio para la vista y el oído y una sorpresa difícil de olvidar. Déjense llevar por las palabras de Bertrand y de sus queridas mujeres ya que les provocarán un cúmulo de buenas sensaciones. El gran Bertrand, protagonizado por un gracioso Charles Denner, es un tipo que parece resultón para las mujeres, cuya gracia radica en su manera de ser y de tratarlas.

Considerado como uno de los fundadores del movimiento denominado Nouvelle Vague, François Truffaut empezó como crítico publicando en varias revistas, como Cahiers du Cinéma, allá por 1953. En 1956 fue ayudante de dirección de Roberto Rossellini y ya en 1958 consiguió captar la atención de crítica y público con Los cuatrocientos golpes, una película cuyo éxito sirvió para presentar el nuevo movimiento que se estaba formando en Francia. Su amor por el celuloide es obvio al haber escrito libros sobre Hitchcock y otros autores, y sobre el cine en general, como los artículos reunidos en El placer de la mirada.

Aunque cinematográficamente no sea perfecta, con algunos planos resueltos de manera tosca, sin ser un alarde de dirección, este film es una auténtica maravilla en cuanto a sus diálogos interesantes y su personaje central tan bien construido. Hay escenas en los que los planos contra planos entre él y las mujeres son de una profundidad exquisita. El personaje de la mujer que le despierta por teléfono cada mañana (a la que por eso él le llama Aurora) es espléndido, siendo su mejor escena en la que ella le despierta a las tres de la madrugada sólo para hablar con él y susurrarle al oído. Es increíble que sólo oyendo su voz el espectador se sienta atraído por ella, por todo lo que le dice, quedándonos estupefactos por lo que acabamos de ver y oír, al igual que Bertrand.

En definitiva, una tierna e inteligente película, plagada de diálogos llenos de buena literatura, con un personaje que simpatiza de lleno con el espectador, consiguiendo una frescura y una naturalidad encomiables.

Un saludo!

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