Sin pistas (1988)

¿Qué sabe el lector de Sherlock Holmes? Pues probablemente mucho. Que es un detective privado de la época victoriana, seguro. Que fuma en pipa y toca el violín, también. Incluso puede que algunos sepan de su adicción al trabajo y a la cocaína. Pero lo que muchos desconocerán es que es un completo imbécil, o como mínimo eso es lo que nos quiere hacer creer Thom Eberhardt, irregular cineasta cuya carrera tiene títulos como La noche del cometa o Yo fui un Fausto adolescente, y que si alguna vez ha estado en estado de gracia, los dioses saben que ha sido en esta ocasión.


Sin pistas empieza con un par de cacos cometiendo un robo en la Royal Gallery de Londres. Los dos rufianes están dando el golpe de su vida cuando alguien les sorprende entre las sombras. La figura tiene el porte clásico de Basil Rathbone y las formas algo más rechonchas de un Alfred Hitchcock, se trata de Sherlock Holmes. Los criminales se enzarzan en una pelea contra nuestro héroe y su fiel acompañante, el doctor Watson, cuando aparecen Scotland Yard y el inspector Lestrade. Hay un par de carreras, algún que otro buen gancho de derecha, alguien dispara una flecha y los maleantes por fin son arrestados, todo ello rodado con un cierto tono mitificador en torno a la figura de nuestro protagonista. Inmediatamente después, la policía deja la escena del crimen y es aquí cuando la magia se esfuma y se descubre la pantomima. Watson llama idiota a Holmes y lo amenaza con un bastón, el cual pierde enseguida la pose y lo vemos como realmente es, un perdedor que solo tiene serrín en la cabeza. La comedia está servida.


Como una especie de Cyrano detectivesco, Watson es el genio en la sombra, mientras que Holmes actúa de cara a la galería y se lleva todos los honores. Jugador, bebedor y mujeriego empedernido, el auténtico Holmes es muy dado a sentarse encima de su propia lupa y a provocar desafortunadas explosiones, su auténtica identidad es la de un actor de tercera que poco o nada tiene que ver con el papel que interpreta. Watson querrá despedirle y probar suerte con su nuevo producto; “John Watson, el doctor del crimen”, pero no le será nada fácil desprenderse del personaje que ha creado. La aparición de un nuevo caso obligará a que ambos unan sus fuerzas en una última aventura.


Aunque alguna ocurrencia afilada tiene la cinta, más que una comedia sofisticada, lo que tenemos entre manos es una película de enredos, tortazos y chistes visuales. Algo que hoy en día viene directamente relacionado con el humor grueso, los tacos y el sexo, detalles que afortunadamente nada tienen que ver con esta película. Sorprende el tono clásico que predomina en una producción de finales de los 80 y sorprende lo sueltos que están todos los actores que intervienen en ella, ya que si de algo puede hacer gala el filme, es de un gran trabajo actoral y de una impecable y carismática caracterización de los personajes. Todo el mundo parece saber la gran broma que es la película y se lo pasa pipa en la pantalla. Quien se lleva la palma es Michael Caine, uno de esos monstruos de la interpretación que aquí está en su salsa. Excepcionalmente brillante y divertido, completamente entregado a su papel de cobarde y patán, este singular Sherlock Holmes no sabe ni cargar un arma y se lanza al agua tapándose la nariz. La escena en que descubre que Moriarty está metido en el ajo y le entra un ataque de pánico, es realmente hilarante. Ben Kingsley tampoco se queda manco en el papel del ninguneado Watson, su interpretación es el contrapunto adecuado a la de Caine, además que ambos demuestran mucha química y juntos forman una pareja de gran comicidad.


En el último tramo de la cinta nos encontramos con el obligado giro argumental, que siendo muy, muy malos, diremos que hace flojear el resultado total, ya que imbuye a Michael Caine de un exagerado entusiasmo que no casa con su personaje. A mí, este truco argumental, salvando las distancias, me recuerda a lo que sucede en películas como De pelo en pecho, donde Michael J. Fox, el protagonista, se decide a jugar el último partido de la liga sin su yo lupino. Ustedes ya me entienden.


Cuando uno es un icono tan popular como Sherlock Holmes ya sabe a lo que se expone: al plagio, a la parodia, a la reinterpretación y a ver tu estampa en las cajas de cereales. Muchas vueltas se le ha dado a este detective de adicciones peligrosas, solo hay que recordar la versión canina y animada de Hayao Miyazaki, o la versión juvenil de El secreto de la pirámide, por ejemplo (sin olvidar que también ha sido el modelo de referencia del televisivo House). Ahora que tenemos a la vuelta de la esquina la última reinvención del personaje, de la mano de Guy Ritchie, Robert Downey Jr. y Jude Law, no está de más recuperar esta divertida y eficaz comedia. Una película, en definitiva, con un alto nivel de energía e inventiva, que en todo momento resulta divertida y que a ratos puede llegar a ser desternillante.



La frase: “Un momento señor Holmes. No pueden entrar ustedes en la residencia de otra persona, remover sus pertenencias personales y turbar su intimidad. Eso es cosa de Scotland Yard.”

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Transsiberian (2008)

Buenos días, soy el jefe Dreyfus, hoy es viernes, y como esta última semana ha hecho un frio de tres pares de narices, ¿que mejor que resaltar esta sensación con una película de estreno cuya acción transcurre encima de un legendario tren que recorre los nevados paisajes de Siberia? Pues eso, pasajeros al tren (joder, que bien lo he atado todo, que crack, madre mía), porque hoy: Transsiberian... ¡Empezamos!

La peli empieza con dos americanos, el tonto de Cheers y mi propia secretaria en la mierda de remake de la Pantera Rosa, que deciden viajar desde la China hasta Moscú con el ferrocarril Transiberiano. Lo cierto es que en avión se va de puta madre, pero es que el tonto de Cheers es un apasionado de los trenes o algo así y al hombre le hacía ilusión. Pues se va a cagar. En estas estamos, con los dos guiris cantando como almejas entre los demás pasajeros, cuando conocen a la pareja con la que compartirán departamento el resto de viaje, el malo de Tesis y una pelirroja con cara de empanada, pero que está un rato buena, y que además van más salidos que dos perros en celo. Rápidamente se harán coleguitas y se van de bebercio juntos al vagón comedor y esas cosas, a pesar de que los dos nuevos pasajeros tienen una pinta chunga y todo apunta a que esconden algo, pero a kilómetros, aunque, como el tonto de Cheers es tonto y la otra se deja tirar la caña por el malo de Tesis, pues ni puto caso a lo que resulta más que evidente. La cosa se complicará por momentos con la misteriosa desaparición del tonto de Cheers y la entrada en escena de Ghandi, como un policía ruso con muy malas pulgas. El misterio está servido.

El director de la peli es el señor Brad Anderson, que se dio a conocer el año 1998 con su primera peli, Próxima parada Wonderland, apuntó maneras con Sesión 9 (como no he visto ninguna de las dos mejor me callo) y conquistó a parte de crítica y público con El maquinista (que conste que a mi no me conquistó en absoluto porque aparte de una muy buena ambientación pocas virtudes le encontré a una peli donde el malo se afeitaba con un cuchillo al estilo Rambo). Lo cierto es que parece que el hombre se esté especializando en llevar a la gran pantalla auténticas pesadillas, rodadas en ambientes cerrados. Entre los actores encontramos a Woody Harrelson, un currante de esto de hacer pelis con una larga filmografía aunque nunca haya llegado a ser una gran estrella, Emily Mortimer, cuyo mayor logro radica en haber trabajado con Woody Allen en Match Point (era la novia despechada), Eduardo Noriega, que sigue empeñado en darse a conocer fuera de nuestras fronteras (ya lo intentó con Novo o, la más reciente, En el punto de mira) y Ben Kingsley, otro actor con gran filmografía y grandes títulos, cuyo cráneo lleva paseando por la gran pantalla desde principios de los ochenta, cuando se diera a conocer con la película que le dio la fama (y un Oscar), Ghandi. Además, la película, como ya ocurriera con la anterior, El maquinista, también tiene capital Español en la producción (supongo que por eso siempre acaba metiendo algún actor patrio entre el elenco).

Como ya he dicho, la peli es una pesadilla, con todas las letras y, ante todo, un thriller, con buena parte de lo que ello conlleva. La peli empieza bien, todo va viniendo rodado, fluido y con buen ritmo, aunque rápidamente se puede empezar a intuir por donde irán los tiros. Después de una hora de metraje (ya aviso que la peli dura casi dos horas) la película se empieza a acelerar y por fin consigue transmitir la tensión esperada, atrapando al espectador, sensación que nos acompañará durante unos buenos veinte minutos, sin duda, lo mejor de la película, coincidiendo con la entrada en escena de Ben Kingsley. Lamentablemente todo lo que sube, baja, y, pasado el subidón, la peli se precipita hacia un final bastante fallido, además de rockambolesco. En definitiva, tres fases de película: una correcta aunque previsible, otra álgida y de auténtico thiller y una tercera de bajón y, porque no decirlo, de cierto desengaño. Otro de los problemas es que la mayoría de los personajes están demasiado estereotipados, lo que ayuda a que el factor sorpresa no acabe de funcionar como debiera. No obstante, la sensación global, al acabar la película, es positiva, de haber entretenido y de no haber aburrido (a pesar de las dos horas, perdón que insista), aunque sabiendo que la película será fácilmente olvidada y que perdurará poco tiempo en el recuerdo.

Resumiendo: Pasable thriller que gusta pero que no entusiasma, con una trama que va en aumento, con veinte buenos minutos de tensión a mitad de película, pero con un fallido desenlace.



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Divorcio a la italiana (1961)

Elprimerhombre ha visto Divorcio a la italiana, de Pietro Germi, una película de humor negro, considerada por los críticos como una de las "comedias a la italiana" que se realizaron entre finales de los años 50 y finales de los 70.

La historia nos la cuenta en voz en off el Barón Don Fernando Cefalú (Marcello Mastroianni), que vuelve en tren a Agramonte (Sicilia) después de 3 años, recordando lo que sucedió en aquel verano tan importante para él. En aquel entonces, angustiado por su matrimonio con Rosalía (Daniela Rocca) después de 12 años de fidelidad, no hacía otra cosa que pensar en Angela (Stefania Sandrelli), una bella prima suya de 16 años que estudiaba en un convento de monjas llamado "los Siete Dolores" y que solía pasar los veranos en el palacio de los Cefalú, en el que desde hace tiempo viven por separado las dos familias enemistadas, la de Don Gaetano Cefalú, padre de Don Fernando, y la de Fifidda, hermana de Gaetano y casada con un tipo llamado Calogero, que se ha apoderado de gran parte de la riqueza de los Cefalú. A partir de aquí veremos cambios en el pensamiento de Fernando, que llega a imaginar el asesinato de su mujer para poder estar con su querida Angela.

Además del propio Pietro Germi, Ennio de Concini y Alfredo Giannetti también formaron parte de la creación del guión de la película, consiguiendo el Oscar al mejor guión original. Germi empezó su carrera como actor, pero en sus primeras películas como director contó con la colaboración, en el guión de varias de sus películas, de Mario Monicelli y sobre todo de Federico Fellini, de quien hace un guiño en esta película poniendo La Dolce Vita en el cine de Agramonte, revolucionando de esta manera a toda la gente del lugar, ya que según se comenta, sus imágenes son de alto contenido erótico. A raíz de la sugerente y sensual imagen de Anita Ekberg, el novio de la hermana de Don Fernando, después de que esta le eche una mirada recriminatoria, le dice que sólo es "un mamífero de lujo, sin alma".

Divorcio a la italiana pretende ser un claro ejemplo de la sociedad de aquella época, exagerando por supuesto con bastante humor el valor que se tenía por el honor de la persona, siendo el homicidio una culpa menor si era por algo de "cuernos". Ocasión que aprovecha Don Fernando para planear un encuentro con algún hombre que pueda llegar a ser el amante de su mujer, descubriendo poco tiempo después unas cartas dirigidas a su esposa por un tal Carmelo Patané.

Con una buena fotografía y sobre todo con la música de Carlo Rustichelli, Pietro Germi consigue entretener con una gran actuación del siempre interesante Marcello Mastroianni. Pero a partir de aquí, se le puede atribuir algún defecto. La dirección del film es bastante correcta pero algunos planos o quizás algunas escenas no están del todo bien resueltas, como el mismo final, poco creíble y bastante típico. Además, lo más destacable es que toda la trama que se idea Don Fernando para poder estar con Angela está bien planteada pero mal rematada. Es una lástima que no se vaya mucho más allá de lo que al principio pueda aparentar, siendo el comienzo del film lo más interesante, con una estupenda introducción del personaje de Mastroianni y una melodía preciosa evocando aún más la nostalgia del recuerdo. Es en esos primeros minutos cuando la acción de la película es mucho más ágil y más interesante, y realmente vemos a un Don Fernando angustiado, harto de su matrimonio, mostrando por sus caras y gestos esa falta de cariño hacia su esposa, caracterizada siempre con un poco de bigote y cejijunta.

Siendo una comedia satírica no llega a ser tan mordaz como podría haberlo sido, quedándose uno con las ganas de entretenerse más con la imaginación de Don Fernando y no tanto con la grabadora que utiliza para pillar in fraganti a su esposa con el amante, sin utilizar del todo el tono cómico del gran Mastroianni y ralentizando la acción de la película. Y para más inri, Mastroianni exagera demasiadas veces un tic que hace con la boca, normalmente ejecutado cuando las cosas siguen su cauce o cuando está nervioso, de ahí que roce por algún momento la parodia hacia sí mismo.

En definitiva, una comedia entretenida con un buen Mastroianni que sin embargo falla a la hora de desarrollar toda la trama planteada en sus primeros minutos.

Un saludo!



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Hidden (Oculto, 1987)

En la década de los 80 el cine palomitero vivió su época de máximo esplendor, y uno de los géneros más afortunados fue el cine de acción, que experimentó un boom sorprendente y estableció las bases que lo vendrían a definir hasta día de hoy. Depredador, Terminator, Mad Max, Desafío Total y Robocop, no solo corroboran este hecho, sino que además ponen de manifiesto que en aquellos días también estaban de moda los cócteles, tanto en las discotecas y en los bares de copas, como en los estudios cinematográficos. No, no estamos hablando del prematuro alcoholismo de Drew Barrymore, sino de una serie de producciones que combinaron con mayor o menor fortuna dos o más géneros cinematográficos. Un desenfadado ambiente que propició la aparición de Hidden, una cinta que casa el terror, la sci-fi, el thriller, las buddy movies y el cine de acción, en un acto de irreverente pero pícara poligamia.


La película empieza por todo lo alto, con un violento atraco y su consecuente persecución, una vertiginosa carrera automovilística que da cabida a un par de acontecimientos muy a tener en cuenta. Primero, el atropello de un pobre inválido en silla de ruedas (algo que remite directamente a La carrera de la muerte del año 2000) y segundo, la utilización del típico gag de los transportistas de cristal. Un recurso muy frecuente en el cine cómico (solo hay que echarle un ojo a ¿Qué me pasa doctor?) que aquí se salda con el violento atropello de los dos cargadores y la total destrucción de la superficie cristalina. Todo un alegato de intenciones, ¿no les parece? Pero no nos detengamos aun, el atracador cae en una emboscada en la que es cosido a balazos y volado por los aires, pero el tipo sobrevive milagrosamente, con el cuerpo malherido en algún punto entre pasado y muy hecho. A todo esto le sigue una cruenta escena en que la película se decide a mostrarnos sus cartas. Vemos como el criminal despierta en el hospital y un horrible insecto gigante sale de su boca para ocupar el cuerpo de su compañero de habitación. Llegados a este punto, el lector se dará cuenta de un hecho irrefutable. No estamos ante una mera cinta policíaca, aquí hay marciano encerrado. Benditos ochentas.


Jack Sholder, el realizador, probó suerte con esta mermelada de géneros tras el sonado fracaso que supuso Pesadilla en Elm Street II, su anterior filme. Una cinta muy infravalorada a mi parecer, que aun con sus desaciertos y disparates, se me antoja como la única digna seguidora de la primera parte, ya que consigue funcionar como película terrorífica sin caer en la caricatura y la auto parodia que se adueñaría de la saga a partir de la tercera entrega. Dicho esto, ahora ya pueden dirigir sus misiles hacia mi cabeza.


La sombra de Alien, el octavo pasajero y La invasión de los ultracuerpos planea sobre esta película en la que un psychokiller intergaláctico hace de la tierra su patio de recreo mientras habita diferentes cuerpos humanos. El portador de este parásito alienígena sufre lo que yo llamo “el efecto ochentas”, que consiste en adquirir un gusto repentino por el rock duro y los cochazos (preferiblemente Ferraris). Los encargados de pararle los pies son un policía y un agente del FBI. El primero está interpretado por Michael Nouri, al que posiblemente recordarán por Flashdance si consiguieron apartar la vista en algún momento de la despampanante Jennifer Beals. Él interpreta al mejor agente de la ciudad, un tipo del que depende todo el departamento de policía, como bien se afana en comentar en voz alta su jefe. El segundo está interpretado por Kyle McLachlan en un claro precedente al papel que le haría famoso en Twin Peaks. La escena en que nos dan a entender que su personaje también es de origen extraterrestre está realmente bien planteada. Se encuentra frente al espejo y se toca el rostro de forma peculiar, emulando el mismo gesto que el portador del parásito ha hecho con anterioridad, un par de escenas atrás, en una situación similar. Sencillo, sutil y efectivo, un tipo de detalle que la cinta repetirá más adelante.


Juntando al poli terráqueo y al poli marciano tenemos otra película de colegas con personalidades opuestas. Claro que aquí se lleva este concepto hasta el extremo, algo que solo sería superado por Whoopie Goldberg, cuando protagonizó en 1995 una película policíaca junto a un tiranosaurio. La buena de Whoopie, siempre poniendo el listón tan alto.

En su violenta visita turística por nuestro planeta, el maligno ente alienígena hará todo lo que le de la gana y no se amilanará ante nada ni nadie. Sus cambios de cuerpo responderán a las circunstancias y a sus ansias de poder, y al ser consciente del efecto que produce entre los hombres, se meterá en las voluptuosas carnes de Claudia Christian. Una actriz que tuvo su momento de gloria televisiva con la serie de ciencia ficción Babylon 5 y que aquí interpreta a una bailarina de striptease. Como el lector bien sabrá, en Hollywoood existe un mandamiento que obliga a toda película con una investigación criminal a incluir una escena en un bar de striptease, quebrantar esta norma podría romper el continuo espacio tiempo cinematográfico y lo que es peor, obligar a los guionistas a buscar nuevos recursos argumentales.


La temática extraterrestre en Hidden sirve tan solo de mera excusa para desplegar todo un carrusel de fuego y balas. La película es básicamente una persecución de 97 minutos de duración que no nos deja ni un segundo de respiro, haciendo gala de un vigor narrativo que ya quisieran para sí actuales superproducciones como Wanted. Es puro cine de evasión, directo, violento y sin complejos, donde aun maravilla ver lo bien que se realizaban los tiroteos en los 80.


Ya en el último tercio de la película, cuando por fin se topan Kyle McLachlan y su némesis marciana, ambos mantienen una conversación llena de latiguillos extraterrestres que hoy en día pueden rechinar bastante, pero en general la cinta ha envejecido bien. No deja de sorprenderme que algunos críticos la acusen de tener un final demasiado sensiblero y tópico, nada más lejos de la realidad. La cinta concluye de una manera más negra y ácida de lo que puede parecer a simple vista, pero hay que saber leer entre líneas. Cuando vi la cinta por primera vez, en el cine de mi pueblo y acompañado por la trouppe del Quesito Rosa, a mí también se me escapó esta segunda lectura. Claro que yo tenía 10 años y estaba demasiado ocupando contando la numerosa cantidad de asesinatos que hay en la película.



La frase: “Mató a 12 personas e hirió a 23. Robó 6 coches, la mayoría Ferraris. Atracó 8 bancos, 6 supermercados, 4 joyerías y una pastelería. A 6 de las víctimas las degolló con un cuchillo, 2 eran unos chiquillos. Todo eso en una semana.”

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Quemar después de leer (2008)

Buenos días, soy el jefe Dreyfus, hoy es viernes y vuelvo con otra película de estreno, en esta ocasión, directamente sacada de la cabeza de los, últimamente demasiado irregulares, hermanos Coen. ¿Habrán acertado esta vez? Pues enseguida lo vemos, porque hoy: Quemar después de leer... ¡Empezamos!

Comedia de enredos muy enredados, a ver si me aclaro con la sinopsis. La cosa va de un agente de la CIA, el prota de las amistades peligrosas, al que ponen de patitas en la calle por darle a la botella más de la cuenta. Él, para vengarse, decide escribir unas memorias de sus años como agente, y de paso sacarse unos dineros, el problema es que el CD donde guarda toda la información acabará extraviado y en manos de Joe Black y la poli de Fargo, un par de patanes de gran calibre que trabajan en un gimnasio a las ordenes del padre fallecido de A dos metros bajo tierra. Los dos lumbreras no dudarán en sacar tajada del asunto intentando chantajear a su propietario. Además, la cosa todavía se complicará más cuando la poli de Fargo empiece a mantener una relación con Batman 4, que a su vez también se está beneficiando a la esposa, del ex-agente chantajeado y que, sin quererlo, se verá metido de lleno en toda esta historia. Total, que los Coen siempre la acaban liando, ya sea por un maletín lleno de fajos de billetes (Fargo, No es país para viejos), un bebé (Arizona Baby), una alfombra (El gran Lebowski) o, como en ésta, un CD.

Los hermanos Coen son dos putos genios capaces de lo mejor (la mayoría de las veces) y de lo peor (las menos) con gran habilidad para hacer su trabajo, ya sea en géneros tan, a priori, opuestos como la comedia o el drama, que hace poco se merendaron a crítica y público con No es país para viejos, ganadora de cuatro Oscars (precisamente Quemar después de leer querían dirigirla antes que ésta, pero problemas con la agenda de sus estrellas se lo impidió). En cuanto a las comedias, que es lo que hoy toca repasar, encontramos grandes películas como Arizona Baby, El gran salto o El gran Lebowski y otras menos interesantes, para mi gusto, como las más recientes O brother, Crueldad intolerable y Ladykillers (esta última francamente lamentable).

Entre los protas encontramos un plantel de nombres que muchos ya quisieran para sus películas: Brad Pitt, en su primera colaboración con los Coen, interpretando a un hortera e infantil preparador físico que se verá arrastrado por su compañera de trabajo en un embrollo que se irá complicando por momentos; George Clooney, en su tercera colaboración con los Coen, que sigue interpretando, para ellos, el mismo papel de tontaina que ya interpretara en sus dos películas anteriores juntos, extremado y sobreactuado, buscando la caricatura sobre todas las cosas; Tilda Swinton, que interpreta a una mujer fría y calculadora con grandes dosis de mala leche, que será quien iniciará todo el jaleo; John Malkovich, actor casi de culto, de extensa carrera, que encarna al colérico y malhablado ex-agente de la CIA; y Frances McDormand, habitual actriz de los directores (aparte de esposa de Joel Coen), siempre fantástica, que ganó un Oscar como mejor actriz, precisamente, por Fargo.

Pero, vamos a lo que vamos, que ya iría siendo hora. Quemar después de leer me merece un aprobado raspadillo raspadillo, demasiado justo para lo que podría haber dado de si la película, con un guión que, en principio, les debería ir como anillo al dedo para desplegar todo su potencial (coño, como que se lo han hecho ellos mismos a partir de la novela Stansfield Turner) pero que no acaba de rematar la faena y un elenco de actores (y nombres propios) dispuestos a hacer el burro como pocas veces. Pero a la hora de la verdad, lo cierto es que a la película le cuesta horrores arrancar, con un inicio donde cada personaje va a su bola y, hasta que no empiezan a relacionarse entre si, uno no sabe muy bien hacia donde va la peli, con un humor brillante pero que apenas dejan ver a cuentagotas y algún que otro actor demasiado desaprovechado (personajes como los de John Malkovich o Tilda Swinton desaparecen durante buena parte de metraje, sin que el espectador entienda demasiado bien porque). En general la sensación es de que la cosa se acaba quedando a medio gas sin acabar de aprovechar todos los recursos que los Coen tenían a su disposición. A pesar de todo, los Coen, por suerte, no se han olvidado de dirigir y en esta peli dan buena muestra de ello, con algún momento realmente acertado y una trama que, demasiado lentamente por desgracia, va creciendo y mejorando a medida que se acerca el final.

Resumiendo: Aprobado justito para una película que disponía de todos los mimbres para ser mucho más, a pesar de que mejora a medida que avanza la trama.



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